HELGA 2026 – Love Story
Freitag, 16. Oktober 2026
Schweizer Fachtreffen für Szenografie und Kommunikation im Raum
Preise
| Fachperson | 55 CHF |
| Student·in, Alumni | 15 CHF |
| Patenschaft (1 Eintritt + 1 Eintritt Studierende) |
70 CHF |
| Pionier (1 Eintritt + Unterstützung für HELGA) |
95 CHF |
| Mitglied ICOM | 45 CHF |
Thema: Love Story – Berufliche Beziehungen, kreative Spannungen und fruchtbare Allianzen
Hinter jeder Ausstellung, jeder räumlichen Intervention und jeder szenografischen Erzählung verbirgt sich eine Geschichte menschlicher Beziehungen. Dialoge, die manchmal mühelos verlaufen, manchmal von Spannungen geprägt sind. Verhandlungen, Kompromisse, gemeinsame Begeisterung und produktive Meinungsverschiedenheiten. Geschichten, die durch Vertrauen, Missverständnisse, feine Übereinstimmungen und kreative Reibungen geformt werden.
Für die Ausgabe 2026 lädt HELGA, organisiert von mudac und der HEAD – Genève, dazu ein, jene beruflichen "Liebesgeschichten" zu erkunden, die die Praxis der Szenografie prägen: die Beziehungen zwischen Szenograf:innen, Kurator:innen, Designer:innen, Institutionen, Künstler:innen, Auftraggeber:innen und Produktionsteams.
Eine Ausstellung zu gestalten bedeutet vor allem, eine Beziehung aufzubauen, die auf Zuhören, Interpretation, Übersetzung und Projektion beruht. Eine Beziehung, in der sich kuratorische Visionen, räumliche Ambitionen, institutionelle Rahmenbedingungen, budgetäre Anforderungen und technische Realitäten eng miteinander verweben. Eine Beziehung, in der jede beteiligte Person ihren Platz finden, ihren Handlungsspielraum aushandeln, ihre Überzeugungen vertreten und zugleich offen für andere Perspektiven bleiben muss.
Zwischen Leidenschaft und Frustration, Komplizenschaft und Konflikt werden diese Kooperationen zu echten beruflichen Liebesgeschichten: manchmal ideal, manchmal schwierig, oft komplex, aber immer prägend. Sie beeinflussen tiefgreifend die kreativen Prozesse, die daraus entstehenden räumlichen Formen und die Erzählungen, die dem Publikum letztlich vermittelt werden.
HELGA 2026 lädt dazu ein, über die Beziehungsdynamiken nachzudenken, die unsere Berufe prägen:
- Dialoge zwischen Kurator:innen und Szenograf:innen
- Fragen von Macht und Verantwortung
- Spannungen zwischen Inhalt und Form
- Reibungen zwischen kreativer Freiheit und institutionellen Rahmenbedingungen
- Das fragile Gleichgewicht zwischen Wunsch, Engagement und wirtschaftlichen Realitäten
Durch Vorträge, Diskussionen, partizipative Formate und informelle Austauschmomente möchte dieses Treffen einen kollektiven Raum für Reflexion schaffen: über die Bedingungen, unter denen unsere Projekte entstehen, und über die zutiefst menschliche Dimension unserer beruflichen Praxis.
Programm 2026
| 13h00 | Begrüssung und Eröffnungswort |
| 13h40 -15h10 | Teil 1 Präsentationen von: Studiengang Szenografie der HEAD – Genève Schweizer Berufsverband für Szenografieberufe Mattias Mohr und Fabienne Geneviève Barras ICOM ARCHI-TECHS ( (Marina Martin) BeAr Studio Let's Play, ein partizipativer und interaktiver Moment. |
| 15h10-17h30 | Teil 2 Fallstudien von 9 Referent:innen |
| 17h30 - 21h00 | Mentoring, Diskussionen und Begegnungen zwischen Fachleuten und Studierenden Apéro, zubereitet vom Kollektiv La Dalle |
Teil 1
Marina Martin ist eine Museumsmitarbeiterin mit einer multidisziplinären und internationalen Karriere, die Museen aus unterschiedlichen Perspektiven gewidmet ist. Derzeit arbeitet sie als Ausstellungs- und Sammlungsregistrarin bei Photo Elysée und ist Vorsitzende von ICOM ARCHI-TECHS, dem Internationalen Komitee für Museumsarchitektur und Museumstechnik.
Sie ist ausgebildete Architektin und Stadtplanerin (Universidade Estadual Paulista und ENSA Paris-La Villette) und besitzt einen gemeinsamen Masterabschluss in Kulturerbemanagement(Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, Universidade de Évora und Università di Padova) sowie einen gemeinsamen Doktortitel in Geschichte und Kunstgeschichte (UniversidadeEstadual de Campinas, Università Ca’ Foscari und IUAV Venedig).
Zu ihrer beruflichen Erfahrung gehören Tätigkeiten als Restaurierungsarchitektin (KruchinArquitetura) sowie als Ausstellungsdesignerin und -koordinatorin (Santiago Calatrava – Architects & Engineers). Darüber hinaus lehrte sie Ausstellungsdesign im Hochschulbereich (Senac) und war Gastdozentin für das Fach Letteratura artistica e pratichecuratoriali an der Università Ca’ Foscari. Parallel zu ihrer beruflichen Tätigkeit betreibt sie unabhängige Forschung an der Schnittstelle von Kunst- und Architekturgeschichte, mit besonderem Schwerpunkt auf der Geschichte kultureller Institutionen, darunter die Biennale von Venedig.
Szenografie Schweiz ist der neue Berufsverband für die Szenografieberufe in der Schweiz. Der Verband setzt sich dafür ein, ein lebendiges Netzwerk für Szenografinnen und Szenografen aufzubauen und die Szenografie als eigenständige professionelle Disziplin zu stärken.
Wir werden den Verband vorstellen und freuen uns zudem auf einen informellen Austausch "abseits der Bühne".
BeAr ist ein Architekturbüro mit Sitz in Bilbao, das von Ane Arce und Iñigo Bearastegui gegründet wurde. Das 2016 gegründete Büro versteht Architektur als diskursive Praxis, in der sich Projektarbeit, Forschung und kritische Reflexion gegenseitig befruchten.
Ihr Ansatz, der von mehreren Institutionen anerkannt wird, darunter Egurtek, die Stiftung der Peña-Ganchegui-Archive und die BEAU, hinterfragt die kulturellen, politischen und sozialen Dimensionen der zeitgenössischen Architektur.
Teil 2
Als ausgebildete Designerin begleitet Sophie Civita die Konzeption und Umsetzung von Ausstellungen im Pavillon de l’Arsenal, einem Informations-, Dokumentations- und Ausstellungszentrum, das sich der Architektur und Stadtentwicklung von Paris und der Metropolregion Grand Paris widmet. Ihre Tätigkeit bewegt sich an der Schnittstelle von Produktion, Szenografie und Projektkoordination. Sie wirkt an der Realisierung von Ausstellungen sowie an der Entwicklung ihrer räumlichen und narrativen Konzepte mit und arbeitet dabei eng mit den verschiedenen an ihrer Umsetzung beteiligten Akteuren zusammen.
Als Produzent von Ausstellungen und Dokumentarfilmen, Herausgeber von Publikationen und digitalen Inhalten sowie Veranstalter von Debatten veröffentlicht, dokumentiert und vermittelt das Pavillon de l’Arsenal die Arbeit jener, die die Stadt denken und gestalten. Mit einer lebendigen Darstellung der Entwicklung der Hauptstadt rückt sein Programm Kreativität und die Vielfalt der Ansätze in den Mittelpunkt und ermöglicht es allen, die Herausforderungen des Städtebaus von gestern und morgen besser zu verstehen und zu teilen.
Emma Canton, Frida Law und Sofia Tapia Buchelli lernten sich während ihres Masterstudiums in Innenarchitektur an der HEAD – Genève in der Schweiz kennen.
Mit unterschiedlichen kulturellen und gestalterischen Hintergründen aus Italien, Hongkong und Mexiko bringen sie ihre individuellen Perspektiven in eine gemeinsame Auseinandersetzung mit der heutigen Praxis der Raumgestaltung ein.
Ihre gemeinsamen Projekte bewegen sich zwischen Szenografie, Forschung, Innenarchitektur und Setdesign. Sie waren unter anderem bei Festivals wie dem MMMAD 2024 in Madrid und den Journées Européennes du Patrimoine in Genf vertreten und organisierten internationale Symposien gemeinsam mit dem Institute for Postnatural Studies.
Emma lebt derzeit in Belgien, wo sie als Designerin für Festival- und Clubräume für das Horst Festival bei Onkruid sowie als Spatial Designerin bei Stand Van Zaken, Doorzon und Theo De Meyer tätig war. Frida lebt und arbeitet in Hongkong und realisiert mit Studios wie POINT und NAPP Ausstellungen, Installationen und Setdesign-Projekte. Sofia lebt aktuell in Mailand und arbeitet für 2050+ an Projekten in den Bereichen Kuratieren, Forschung, Ausstellungsdesign und Architektur.
Gemeinsam beschlossen die drei, in ihrer Freizeit ein Projekt für einen Open Call zu entwickeln und umzusetzen.
Marco Calderón ist ein französisch-mexikanischer Kurator und Forscher, der sich auf die kulturellen Austauschprozesse zwischen Europa und Lateinamerika, insbesondere Mexiko, spezialisiert hat. Er absolvierte sein Studium im Bereich Art-Espace an der École nationale supérieure des Arts Décoratifs de Paris (ENSAD) und besitzt einen Masterabschluss im Kunstmarktmanagement des IESA (2016–2017).
Als Doktorand für Ästhetik an der Universität Paris 8 widmet er seine Dissertation den nationalen Repräsentationen auf der Biennale von Venedig. Nach zehn Jahren kuratorischer Tätigkeit in Frankreich war er Präsident und Künstlerischer Leiter des Vereins Art Players in Paris (2017–2025). Darüber hinaus kuratierte er die Wanderausstellung Der Erste, der lacht von Mauricio Limón (Paris–Madrid–Berlin, 2020–2022) in Zusammenarbeit mit dem Mexikanischen Kulturinstitut in Frankreich.
Seit Oktober 2025 ist er kuratorischer Berater von AMES – Asociación de Artistas Mexicanos en Suiza (Bern). Während seiner Residenz bei air-Montreux konzipierte er die Ausstellung Zehn Millionen, Die Schweiz existiert nicht, die einen Dialog zwischen zwei Territorien herstellt.
Rahel Rippel absolviert derzeit den Masterstudiengang Design Installation an der HEAD – Genève. Ursprünglich aus Deutschland stammend, zog sie während ihrer Jugend nach Bern in der Schweiz. Mit einem Hintergrund in Illustration und Installation erforscht sie in ihrer Arbeit, wie sich Illustration in den Raum erweitern lässt, um immersive Erzählungen und kollektive Erfahrungen zu schaffen.
Durch Installationen, partizipative Projekte und kollaborative Prozesse untersucht sie soziale Strukturen, zwischenmenschliche Beziehungen und den Alltag. Ihre Arbeiten entwerfen häufig alternative Realitäten und utopische Formen des Miteinanders und der Fürsorge. Dabei nutzt sie Workshop-Formate als Räume für Begegnung, Austausch und kollektive Vorstellungskraft.
Mit kostengünstigen Materialien entwickelt sie transdisziplinäre Projekte, die Menschen zusammenbringen und neue Perspektiven auf gemeinsame gesellschaftliche Realitäten eröffnen.
Le Bureau des Scéno, gegründet von Neda, Valeria, Célia und Fanny im Sommer 2025, ist ein Kollektiv von Szenograf*innen aus dem Bereich der darstellenden Künste in der Westschweiz. Es entstand aus dem gemeinsamen Bedürfnis heraus, sich zu vernetzen, um den Berufsstand sichtbar zu machen, einen Raum für Austausch, Reflexion und gegenseitige Unterstützung zu schaffen.
Philippe Calame studierte nach dem Abschluss seiner schulischen Ausbildung am Institut universitaire de hautes études internationales (IUHEI) in Genf und erlangte dort 1995 seinen Abschluss. Im Jahr 2000 absolvierte er eine Ausbildung im audiovisuellen Bereich am Centre pour l’Image Contemporaine (CIC) in Genf. Seit 2003 ist er im Schweizer Berufsregister der Journalist:innen (RP) eingetragen.
Nach ersten beruflichen Erfahrungen im Fernsehen entwickelte er seine Tätigkeit als Kameramann und Dokumentarfilmer weiter. Im Jahr 2018 schloss er an der Universität Neuenburg erfolgreich ein Certificate of Advanced Studies (CAS) in Weiterbildung mit dem Titel Förderung einer Kulturinstitution (Promouvoir une institution culturelle) ab.
Seine berufliche Praxis umfasst die Produktion und Regie von Dokumentar- und Spielfilmen für Kino und Fernsehen, journalistische Reportagen sowie institutionelle Projekte und Vorhaben im Museumsbereich.
Chiara Rubessi, PhD, ist Forscherin und Dozentin für Designgeschichte und Designkultur an der ISIA in Rom und Florenz sowie an der Accademia di Brera in Mailand. Darüber hinaus ist sie Mitgründerin und Vertreterin von ONExhibitEdu, einer unabhängigen und offenen Forschungsplattform, einem Archiv sowie einem internationalen Raum für kulturellen und wissenschaftlichen Austausch, der sich den Exhibition Studies, dem zeitgenössischen Ausstellungsdesign und Praktiken der räumlichen Kommunikation widmet.
In der Verbindung von Visual Studies, Designtheorie und Care-Praktiken untersucht ihre akademische Forschung die Schnittstellen zwischen Räumen, Institutionen und sozialer Nachhaltigkeit. Dabei bewegt sie sich im Spannungsfeld von Pädagogik und Institutionskritik.
ONExhibitEdu fördert eine gemeinschaftliche Forschungs- und Gestaltungspraxis, die von Forschenden und Designer:innen gemeinsam getragen wird. Die Aktivitäten reichen von der Erforschung des globalen Ausstellungswesens über die Erstellung spezialisierter Bibliografien bis hin zur Archivierung und Veröffentlichung realisierter Ausstellungsprojekte. Insbesondere durch Ausschreibungen zu einzelnen Schlüsselbegriffen eröffnet die Plattform Räume für kollektive Debatten, die darauf abzielen, den konzeptionellen, operativen, kritischen und semantischen Wert zentraler Begriffe des Ausstellungsdesigns zu untersuchen.
Die Ausstellung wird dabei nicht als linearer Produktionsprozess oder bloßes Instrument zur Vermittlung bereits vorhandenen Wissens verstanden, sondern als experimentelle Praxis und relationaler Prozess, der auf den Interaktionen zwischen Kurator:innen, Designer:innen, Institutionen und Publikum basiert.
Indem ONExhibitEdu Bildung und theoretische Reflexion als kritische Werkzeuge zur Untersuchung der Infrastrukturen kultureller Produktion begreift, möchte die Plattform einen kontinuierlichen Diskurs fördern, der theoretische und sinnliche Formen der Auseinandersetzung mit Ausstellungsdesign erneuert und weiterentwickelt. Ihre Arbeit leistet einen Beitrag zu den sich wandelnden Debatten über zeitgenössische Ausstellungsekologien und legt dabei besonderen Wert auf Prozesse, Zusammenarbeit und die kritische Beobachtung relationaler Systeme innerhalb kultureller Produktionszusammenhänge in professionellen und akademischen Kontexten weltweit.
Das Kollektiv Contremarche ist ein Zusammenschluss von Raumgestalter:innen. Durch interdisziplinäre Zusammenarbeit erforscht es die Beziehungen zwischen Menschen und den Räumen, die sie bewohnen, mit besonderem Augenmerk auf Materialien und deren Wege und Transformationen. Das Kollektiv arbeitet in den Bereichen Szenografie, Installation, Bühnenbild und Objektdesign.
La dalle ist ein 2023 von Julie Chavaz und Angélique Kuenzle gegründetes Kollektiv, dessen Praxis an der Schnittstelle von Architektur, Handwerk und Ernährung angesiedelt ist. Ihre Arbeit untersucht Räume und Territorien im Wandel und nutzt kulinarische Gesten als Instrument, um die gebaute Umwelt zu lesen, zu interpretieren und mit ihr in Dialog zu treten.
Als Frauen, die aktiv im Bauwesen tätig sind, setzen sich Julie Chavaz und Angélique Kuenzle mit der Rolle alternativer Arbeits- und Praxisformen in einem nach wie vor weitgehend männerdominierten Umfeld auseinander. Dabei erforschen sie Ansätze, die auf Fürsorge, Zusammenarbeit und verkörpertem Wissen beruhen.
Ihre Performances finden an Orten statt, die sich im Wandel befinden, etwa auf Baustellen, in Brachen oder in leerstehenden Gebäuden. Sie schaffen kollektive und vergängliche Erfahrungen, die die Codes und Hierarchien der Bauindustrie hinterfragen und umdeuten. Durch die Verbindung von räumlicher Erkundung und kulinarischem Handeln öffnet La dalle diese Orte für gemeinsame und sinnliche Formen der Aneignung und schafft Begegnungs- und Austauschräume.
Indem das Kollektiv etablierte Normen und festgelegte Nutzungen infrage stellt, lädt es dazu ein, neue Wege des Bewohnens und Erlebens von Territorien zu denken. Geschmack wird dabei zu einem künstlerischen und sozialen Medium, das Geschichten offenlegen, Verbindungen schaffen und Narrative neu erfinden kann, die in Materialität, Arbeit und Boden verwurzelt sind.
Über HELGA
HELGA wurde 2012 als Austauschformat für die Schweizer Szenografie gegründet und hat sich seither als Diskussionsforum und wichtiger Treffpunkt für Fachpersonen aus den Bereichen Szenografie und Kommunikation im Raum etabliert.
Nach Stationen in Luzern (2012–2014), Zürich (2015–2017), Basel (2018–2021) und erneut Luzern (2022–2024) findet HELGA zum ersten Mal in der Westschweiz statt. Gastgeber von 2025 bis 2027 ist das mudac in Lausanne, das damit die Bedeutung der Szenografie für seine eigene Ausstellungstätigkeit hervorheben und den Austausch zwischen Fachpersonen über Sprachgrenzen hinweg fördern möchte.
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